Yana Borgia | Del arte y otros demonios

  Fragmentos del cuaderno naranja: observaciones sobre práctica, cuerpo y persistencia en el dibujo al natural No todos los que van a una jam de dibujo con modelo vivo van a aprender a dibujar mejor. Algunos ya saben. Otros no saben como les gustaría y, sin embargo, vuelven. A diferencia de la academia, la jam no ofrece títulos, ni créditos, ni validación externa. No hay devolución docente, no hay corrección, no hay ranking. El dibujo no sirve más que para haber sido hecho. La jam empieza donde la institución termina. Cuando ya no hay horarios obligatorios, cuando el artista descubre que nadie lo va a sostener, aprende —si puede— a sostenerse solo. A la jam llegan sobrevivientes: personas que atravesaron la formación académica y quedaron con algo en las manos —una técnica, un vicio, una frustración— pero sin red. Profesores cansados. Autodidactas brillantes. Profesionales de otros rubros que dibujan como si respiraran. Artistas con linaje y otros sin apellido. Gente que vive del ar...

   Ph: Enzo Kar   Desde hace años trabajo de manera directa con el modelo vivo en Rosario: como modelo, como organizadora y generando espacios donde esta práctica sigue activa.  En ese recorrido fui encontrando algo que se repite: es una actividad central en la formación artística, pero con muy poco registro, poca memoria organizada y, muchas veces, con sus protagonistas (especialmente los modelos) completamente invisibilizados. Por eso decidí iniciar una investigación y construir un archivo sobre el estudio de la figura humana con modelo vivo en la ciudad.  Durante décadas, artistas, estudiantes y docentes pasaron por talleres, clases e instituciones donde el cuerpo fue herramienta de estudio. Sin embargo, gran parte de esas experiencias no quedó documentada: los espacios cambiaron o desaparecieron, las dinámicas se transformaron y los nombres se fueron perdiendo.  Hay algo paradójico en esta práctica: es fundamental para la formación artística, pero rara ...

  Los artistas son todos de izquierda? Por qué tantas mujeres artistas parecen más politizadas? Y por qué tantos otros no votan o evitan hablar del tema? La relación entre arte y política es mucho menos obvia de lo que parece y en muchos casos, más incómoda.  Cuando se habla de arte y política suele repetirse una idea bastante instalada: que la mayoría de los artistas son “de izquierda”. Pero si uno observa más de cerca el campo artístico, la realidad es bastante más compleja.  Los artistas no forman un bloque homogéneo. Conviven distintas posiciones políticas, distintos niveles de participación y también distintas formas de relación con el poder.  Por un lado, existe una afinidad frecuente con posiciones progresistas o de izquierda. Esto puede relacionarse con las condiciones materiales del trabajo artístico -ingresos inestables, falta de seguridad laboral- y con una sensibilidad hacia temas como la desigualdad o los derechos sociales.  Sin embargo, también hay...

  Mensajes sin responder, derivaciones infinitas y silencios que se acumulan. La burocracia como forma de funcionamiento en el campo artístico  Hay un momento, en la gestión artística, después de enviar suficientes mails, mensajes y propuestas, en el que algo se torna evidente: no es que una propuesta no interese. Es que muchas veces no llega a existir como instancia de intercambio.  A este fenómeno lo llamo “circuito muerto”.  El circuito muerto no llega a ser un rechazo ni una evaluación negativa. Es algo más difuso y, a la vez, más estructural: una cadena de derivaciones, silencios y respuestas parciales que nunca terminan de constituir un diálogo real.  Empieza de forma bastante estándar. Te doy un ejemplo: una escribe a una institución cultural o educativa. Puede ser una escuela de arte, un museo o un espacio de formación. La respuesta —cuando llega— suele ser cordial pero evasiva: “Por favor, enviar la propuesta al mail X”.  Ahí se produce el primer d...

  En los últimos años aparecieron cada vez más cursos para artistas que prometen enseñar cómo “vivir del arte”. También proliferan charlas, talleres y cuentas de redes sociales dedicadas al marketing artístico. Es evidente que se detectó una necesidad real: muchos artistas buscan herramientas para sostener su práctica más allá de la producción de obra. Durante mucho tiempo, la formación artística dejó de lado las dimensiones prácticas de la profesión y eso se terminó notando. Sin embargo, después de tomar varios de estos cursos, me encontré con una sensación persistente: se intentó llenar ese vacío, pero muchas veces el resultado se quedó corto. Casi todos insisten en los mismos temas: armar un buen portfolio, escribir un statement, aplicar a convocatorias, mejorar la presencia en redes sociales. No digo que eso no sea importante. Lo es. Pero no alcanza. También suele repetirse una frase bastante instalada: que los artistas no quieren “ensuciarse” con presupuestos, números o cuesti...

 Cuando se menciona a Simonetta Vespucci en la historia del arte, casi siempre aparece envuelta en una narrativa romántica. Se la recuerda como “la mujer más bella de Florencia”, como inspiración de artistas y como encarnación de un ideal femenino que habría quedado inmortalizado en la pintura renacentista. Sin embargo, cuando se observa su historia desde una perspectiva contemporánea, surgen preguntas incómodas. ¿Hasta qué punto esa admiración fue simplemente admiración? ¿Y en qué momento esa fascinación colectiva pudo haber cruzado límites que hoy identificaríamos como formas de objetificación o apropiación de la imagen de una mujer? Simonetta vivió en una sociedad profundamente jerárquica, donde las mujeres tenían muy poco control sobre la manera en que eran representadas públicamente. Su fama se construyó en gran parte a partir de relatos masculinos: crónicas, poemas y celebraciones cortesanas que exaltaban su belleza. Pero prácticamente no contamos con registros de su propia v...